Ключи к играм

Информация о пользователе

Привет, Гость! Войдите или зарегистрируйтесь.


Вы здесь » Ключи к играм » Архив » Ренессанс. Эпоха Возрождения <


Ренессанс. Эпоха Возрождения <

Сообщений 21 страница 40 из 52

21

Беноццо Гоццоли
http://i014.radikal.ru/1109/12/70edcb699b6c.jpg

ГОЦЦОЛИ, БЕНОЦЦО (Gozzoli, Benozzo)(1420-1497) - флорентийский художник эпохи Возрождения. Его настоящее имя Беноццо ди Лезе ди Сандро (Benozzo di Lese di Sandro); фамилия Гоццоли впервые появилась во втором издании Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих Вазари. Родился во Флоренции. С 1444 в течение трех лет помогал скульптору Лоренцо Гиберти при создании рельефов восточных (т.н. Райских) дверей Флорентийского баптистерия. В 1447 работал вместе с Фра Анджелико над фресками капеллы папы Николая V в Ватикане и капеллы Сан Брицио в соборе Орвьето. Работа с Фра Анджелико оказала большое влияние на все искусство Беноццо, которое даже в последние годы жизни мастера оставалось в русле готического стиля, несмотря на то, что в флорентийской живописи этого времени уже преобладали ренессансные тенденции.
Гоццоли известен прежде всего как мастер фрески. Наиболее известные из выполненных им циклов - росписи, посвященные жизни св. Франциска (Монтефалько, 1450-1452), Шествие волхвов (Флоренция, палаццо Медичи-Риккарди, 1459), сцены из жизни св. Августина (Сан Джиминьяно, 1463-1465) и изображения на Ветхозаветные сюжеты (Кампосанто, Пиза, 1467-1485).
Помимо работы по заказам Медичи, деятельность Гоццоли протекала главным образом за пределами Флоренции. Его перегруженные деталями и фигурами композиции, исполненные в манере, сильно напоминающей произведения мастеров треченто, не могли конкурировать с полными ясности и внутренней энергии творениями ведущих флорентийских живописцев его времени. После 1467 он жил в Пизе. Умер Гоццоли в Пистойе 4 октября 1497.

Свернутый текст

http://i011.radikal.ru/1109/15/8fd22515af3b.jpg http://s50.radikal.ru/i129/1109/58/8688dbe53d75.jpg http://s42.radikal.ru/i096/1109/94/64990e9bd64e.jpg|Картины

0

22

Андреа дель Сарто
http://i077.radikal.ru/1109/d0/6f670a86aee4.jpg

Родился во Флоренции 16 июля 1486, хотя дата эта приблизительная, так как документов, связанных с его рождением, не сохранились. Отец его был портным, фамилия же его была д'Аньоло. Дель Сарто сына стали называть именно по ремеслу его отца, по-итальянски "sarto" ознчало "портной".
Уже в детстве был замечен талант Андреа к художественным искусствам и его определили в учению к одному ювелиру, который занимался обучением мальчика в течении трех лет, после чего его отдали под опеку малоизвестного живописца Джана Бариле.
Как долго наш герой состоял в учениках Пьеро ди Козимо — неизвестно. Однако Джорджо Вазари, в чьих «Жизнеописаниях» имеется биография Андреа дель Сарто, отмечает, что учитель очень любил его за его талант и работоспособность. Следовательно, отпускать его от себя слишком скоро он бы не захотел. Далее Вазари говорит, что Андреа в какой-то момент сам захотел покинуть Пьеро ди Козимо и намерение свое озвучил некоему юному художнику Франчабиджо, вместе с которым они проводили свое свободное время в Папской зале, перерисовывая картоны Микеланджело и Леонардо да Винчи. «И вот, — пишет биограф, — когда они на этой почве подружились, Андреа как-то сказал Франче, что терпеть чудачества совсем одряхлевшего Пьеро ему уже невмочь, и что он поэтому хочет завести себе отдельную мастерскую. Франча, который был вынужден поступить подобным же образом, так как его учитель Мариотто Альбертинелли к тому времени уже бросил живопись, услыхав решение своего товарища Андреа, сказал, что и ему нужна мастерская, и что поселиться им вместе было бы на пользу и тому, и другому».
В итоге молодые люди сняли помещение на Пьяцца дель Грано и приступили к самостоятельной работе. В 1509 году Андреа дель Сарто получил свой первый крупный заказ — на украшение дворика монастыря Скальцо сценами из жизни Иоанна Крестителя. Начало его работы было столь блестящим, что с этого времени у художника не стало отбоя от заказов.
В 1510 году к нему обратился некий хитроумный монах, стоявший за свечным ящиком в церкви Сантиссима-Аннунциата с предложением написать несколько фресок. Поначалу Андреа отказался, ибо у него и без того было много хлопот с заказом от монастыря Скальцо, однако монах настаивал на своем. Сделав ставку на мягкосердечие и честолюбие молодого живописца, он убедил его, что фрески, расположенные в таком часто посещаемом флорентинцами месте, как Сантиссима-Аннунциата, быстро прославят художника и послужат к его благоденствию. В рукаве у служителя церкви был припрятан и еще один козырь. Дело в том, что к описываемому времени в отношениях Андреа дель Сарто и Франчабиджо наметилась трещина: они стали скорее соперниками, чем друзьями. И монах изящно сыграл на этом, намекнув нашему герою, что в случае, если он не согласится на его предложение, заказ будет отдан Франчабиджо, и сей последний получит все выгоды, с ним связанные. Против такого довода Андреа дель Сарто устоять не мог.
Жизнь художника постепенно обустраивалась. Он уже зарабатывал достаточно, чтобы оказывать помощь своей семье и самому не прозябать в нужде. Со всем тем, скупым и корыстным он не был, умея довольствоваться малым. Вазари особо подчеркивает, что мастер никогда не завышал цены на свои работы. Более того, «брал очень мало за свои труды», стараясь не для денег, а для чести.
Такое, сравнительно беззаботное, существование продолжалось до тех пор, пока живописец не влюбился в Лукрецию дель Феде, молодую, недавно овдовевшую женщину. Женившись на ней, Андреа дель Сарто сделался (по крайней мере, если верить Вазари) форменным подкаблучником. Мало того, что почти всякий женский образ писал он после женитьбы со своей супруги, но еще и трудился не покладая кисти, чтобы удовлетворять любую ее прихоть.
Но, будучи женщиной недальновидной, Лукреция собственными руками разрушила тот фундамент, на котором могло бы зиждиться благополучие семьи. Случилось это так. В 1518 году король Франциск I, наслышанный об изрядном таланте Андреа дель Сарто, пригласил его работать во Францию. При своем дворе он окружил художника всеми мыслимыми почестями и осыпал его бесчисленными дарами. Останься мастер во Франции, его ждали бы слава и безбедная старость. Но в один прекрасный день он получил письмо от Лукреции, где она просила его вернуться домой. Живописец объявил королю, что ему необходимо съездить во Флоренцию. Он присягнул на Евангелии, что вернется, привезя с собою жену и наиболее ценные для него картины и скульптуры. Поверив ему, Франциск I отпустил его и даже снабдил деньгами на путешествие. Стоит ли говорить, что больше он его уже никогда не увидел? По возвращении во Флоренцию Андреа дель Сарто был сражен слезами жены, не желавшей покидать родину и ехать на чужбину. Мольбы супруги значили для него больше, чем клятвы, данные королю, и он навсегда остался во Флоренции, упустив возможность снискать почет и богатство.
Между тем, во Флоренции никто не ожидал его возвращения. Заказчики, полагая, что он уже окончательно переселился во Францию, передали работы, начатые им, другим живописцам (в частности, за время отсутствия Андреа две фрески в монастыре Скальцо успел написать Франчабиджо). И, хотя наш герой довольно быстро вернул себе былое положение, сердце его еще долго сжималось при мысли о нарушенной клятве.
В 1523 году во Флоренции разразилась эпидемия чумы. Чтобы обезопасить себя и свою семью от заразы, художник всем домом, «со чады и домочадцы» (своих детей у него, впрочем, не имелось; единственное «чадо» в семье была дочь Лукреции от первого брака, впоследствии позировавшая Андреа дель Сарто для «Девушки с томиком Петрарки), переехал на время в Муджелло. Здесь он получил заказ от сестер местного монастыря на написание алтарного образа «Оплакивание Христа» (этот образ, иначе называемый «Пьета», читатель может увидеть в разделе «Картинная галерея»). Монахини, по свидетельству Джорджо Вазари, относились к художнику и его семейству очень ласково, и, платя добром за добро, он работал над заказанной ими картиной с большим одушевлением и усердием.
Когда эпидемия миновала, Андреа дель Сарто вернулся во Флоренцию и продолжил работу над начатыми прежде циклами. Пришлось ему вспомнить, в частности, и о весьма давнем своем обязательстве перед монастырем Сан-Сальви, еще в 1511 году обратившемся к художнику с просьбой изобразить на стене трапезной Тайную вечерю. Эта работа, замечательная по колориту, была закончена им в 1527 году, через два года после не менее прекрасной «Мадонны дель Сакко».
В последних творениях Андреа дель Сарто уже чувствуется дыхание близкой смерти. За год или за два до нее он создал удивительно проникновенный автопортрет (Вазари пишет, что сначала он хотел запечатлеть свою жену, но та отказалась позировать, и тогда мастер использовал приготовленные краски, написав себя самого).
Умер он в 1530 году, когда во Флоренции в очередной раз свирепствовала чума. Впрочем, скорее всего, скончался он не от нее, а, как говорит биограф, «то ли от страха, то ли от беспорядочного вкушения пищи». На смертном своем одре Андреа дель Сарто был лишен самого необходимого ухода, поскольку Лукреция, все-таки опасаясь, что ее супруг заражен чумой, старалась держаться от него подальше. Когда живописец скончался, то домашние даже не сразу это заметили. Похоронен он был братьями монастыря Скальцо в церкви сервитов.
Работы художника
Среди первых произведений художника - пять фресок, иллюстрирующих житие св. Филиппа Беницци в дворике церкви Сантиссима Аннунциата во Флоренции, написанные в 1509-1510. В этих фресках очевиден отход от традиций живописи кватроченто, однако они почти не дают представления о стиле Андреа дель Сарто, хотя и выполнены вполне профессионально. После четырех лет работы, изучения рисунков Микеланджело и, вероятно, росписей Рафаэля в Риме творческие возможности художника значительно расширились; в фреске Рождество Богоматери (1514), написанной в клуатре той же церкви, появляются широта трактовки и эмоциональная выразительность.
В 1517 Андреа дель Сарто женился на Лукреции дель Феде и в этом же году написал свою знаменитую Мадонну с гарпиями (1517, Флоренция, галерея Уффици). Моделью для картины, как и для многих других его работ, возможно, послужила Лукреция. Французский король Франциск I, стремившийся привлечь к своему двору известных итальянских художников, в 1518 пригласил Андреа дель Сарто во Францию, поскольку тот считался лучшим рисовальщиком во Флоренции.
В Париже он написал картину Милосердие (Лувр) и вскоре вернулся во Флоренцию. Здесь в 1519 Андреа дель Сарто начал работу над фреской Тайная вечеря в монастыре Сан Сальви. В произведениях последних десяти лет жизни художник достиг совершенного мастерства. Среди них - Оплакивание (1524, Флоренция, галерея Питти); Мадонна дель Сакко (1525, церковь Сантиссима Аннунциата), Житие Иоанна Крестителя (1515-1526, Флоренция, монастырь Скальци), Алтарь Сарцана (1528, Берлин - Далем, не сохранился), Алтарь Валломброза (1528, Флоренция, галерея Уффици), Успение (1530, Флоренция, галерея Питти) и другие.

Свернутый текст

http://s53.radikal.ru/i141/1109/75/ad3416d81288.jpg
http://i012.radikal.ru/1109/ce/bb66b2a20177.jpg
http://s005.radikal.ru/i210/1109/0e/30694fe9e5dc.jpg|Картины

0

23

Альбрехт Дюрер
http://i003.radikal.ru/1109/73/8285a1c6e2e3.jpg

Основоположник искусства немецкого Возрождения. В напряженно-экспрессивных формах, фантастических образах воплотил ожидание всемирно-исторических перемен (серия гравюр «Апокалипсис», 1498), выразил гуманистические представления о смысле бытия и задачах искусства (т. н. мастерские гравюры, 1513-14). Создал полные силы и энергии образы человека реформационной эпохи («Портрет молодого человека», 1521, диптих «Четыре апостола», 1526), людей из народа (гравюра «Три крестьянина»). Известен как тонкий, наблюдательный рисовальщик (св. 900 рисунков). Теоретик искусства («Четыре книги о пропорциях человека», 1528).
ын серебряных дел мастера, выходца из Венгрии. Учился сначала у отца, затем у нюрнбергского живописца и гравера Михаэля Вольгемута (1486-90). Обязательные для получения звания мастера «годы странствий» (1490-94) провел в городах Верхнего Рейна (Базель, Кольмар, Страсбург), где вошел в круг гуманистов и книгопечатников. В Кольмаре, не застав в живых М. Шонгауэра, у которого намеревался совершенствоваться в технике гравюры на металле, изучал его работы, общаясь с его сыновьями, также художниками. Вернувшись в 1494 в Нюрнберг, женился на Агнесе Фрей и открыл собственную мастерскую. Вскоре отправился в новое путешествие, на этот раз в Северную Италию (1494-95; Венеция и Падуя). В 1505-07 вновь был в Венеции. Познакомившись в 1512 с императором Максимилианом I, видимо, тогда же начал на него работать (вплоть до его смерти в 1519). В 1520-21 посетил Нидерланды (Антверпен, Брюссель, Брюгге, Гент, Малин и другие города). Работал в Нюрнберге.
Творческий путь Дюрера совпал с кульминацией немецкого Возрождения, сложный, во многом дисгармоничный характер которого наложил отпечаток на все его искусство. Оно аккумулирует в себе богатство и своеобразие немецких художественных традиций, постоянно проявляющихся в облике персонажей Дюрера, далеком от классического идеала красоты, в предпочтении острохарактерного, во внимании к индивидуальным деталям. В то же время огромное значение для Дюрера имело соприкосновение с итальянским искусством, тайну гармонии и совершенства которого он старался постичь. Он — единственный мастер Северного Возрождения, который по направленности и многогранности своих интересов, стремлению овладеть законами искусства, разработке совершенных пропорций человеческой фигуры и правил перспективного построения может быть сопоставлен с величайшими мастерами итальянского Возрождения.
Дюрер был равно одарен как живописец, гравер и рисовальщик; рисунок и гравюра занимают у него большое, подчас даже ведущее место. Наследие Дюрера-рисовальщика, насчитывающее более 900 листов, по обширности и многообразию может быть сопоставлено только с наследием Леонардо да Винчи. Рисование было, видимо, частью каждодневной жизни мастера. Он блестяще владел всеми известными тогда графическими техниками — от серебряного штифта и тростникового пера до итальянского карандаша, угля, акварели. Как и для мастеров Италии, рисунок стал для него важнейшим этапом работы над композицией, включающим в себя эскизы, штудии голов, рук, ног, драпировок. Это инструмент изучения характерных типов — крестьян, нарядных кавалеров, нюрнбергских модниц. Его прославленные акварели «Кусок дерна» и «Заяц» (Альбертина, Вена) выполнены с такой пристальностью и холодноватой отстраненностью, что могли бы иллюстрировать научные кодексы.
Дюрер оказал огромное влияние на развитие немецкого искусства 1-й половины 16 в. В Италии гравюры Дюрера пользовались таким успехом, что даже выпускались их подделки; прямое воздействие его гравюр испытали многие итальянские художники, в том числе Понтормо и Порденоне.

Свернутый текст

http://i030.radikal.ru/1109/90/25f8cf2526bc.jpg
http://s013.radikal.ru/i325/1109/0b/52e819dcc0ce.jpg
http://i038.radikal.ru/1109/89/fde8c55acc33.jpg
http://s003.radikal.ru/i202/1109/a2/3b77f718d1c9.jpg|Картины

+1

24

Альберти Леон Баттиста
http://s44.radikal.ru/i105/1110/e6/7844b01b5ddf.jpg

Леон БАТТИСТА АЛЬБЕРТИ  родился в Генуе в семье знатного флорентийского изгнанника. Учился у известного гуманиста Гаспарино да Барцицца в Падуе, затем в Болонье у Франческо Филельфо и в университете, по окончании которого стал доктором канонического и гражданского права. Несколько лет он служит у церковных иерархов, а с 1432 г. и до конца жизни занимает место аббревиатора (своего рода нотариуса) при папской курии.
"Скажи мне, чего не знал сей муж?" — записано на полях одной из его рукописей. Человек разносторонних дарований и широчайшей культуры, Альберти известен прежде всего как выдающийся теоретик искусства и архитектуры; вместе с тем он и зодчий-практик, автор знаменитых архитектурных проектов, занимается живописью, ваянием и иными видами искусства, причем не только изобразительного — он хорошо разбирается в музыке и прекрасно играет на органе. Как писателя-гуманиста его внимание одинаково привлекают и жизнь общества, и устои семейных отношений, и проблемы человека, и принципы хозяйствования, и вопросы этики; политики; права, психологии. Он обнаруживает великие познания в математике, оптике, механике, задумывает и проектирует различные приборы и инструменты, специальные работы посвящает выведению ценных пород лошадей, тайнам женского туалета, шифрам, графологии. Под стать этой всеохватности интересов и творческих устремлений сама личность Альберти, эмблематичная для всего ренессансного гуманизма. Безмерным трудолюбием и упорством он добивается необыкновенных успехов в физической подготовке и воинских упражнениях, в совершенстве осваивает различные отрасли науки и искусства, приобретает всевозможные знания и умения, тщательно формирует свой нравственный облик, воспитывая в себе прежде всего человеколюбие, обходительность, щедрость, сдержанность, — таким вот, ставшим уже для современников человеком-легендой, запечатлен гуманист в биографии XV в., авторство которой не без оснований приписывают самому же Альберти.
Литературное наследие Альберти весьма разнопланово: к 1425 г. относится комедия "филодокс", затем написаны трактаты "Деифира" (1428) и "О преимуществах и тяготах занятия науками" (1430); первые три книги диалогов "О семье" составлены в 1432—1434 гг., в 1440 или в 1441 г. к ним добавлена еще одна; в 1435 г. написаны трактаты "О статуе" и "О живописи", гораздо позже, в 1449 г., создаются "Десять книг о зодчестве"; между 1436 и 1443 гг. появляются трактаты "О праве" и "Первосвященник", "Жизнеописание св. Потита", диалоги "Теодженио" и "О спокойствии души"; после 1443 г. пишется аллегорический трактат "Мом, или о государе", в 1449 г. — "Математические забавы"; к наиболее значительным произведениям последующих лет относятся "Застольные беседы" и "Домострой" (1470).
Хотя большую часть жизни Альберти провел в Риме и других городах Италии и лишь время от времени наведывался во Флоренцию, именно под воздействием импульсов культурной и художественной среды этого города складывалось его миросозерцание, все более и более расширялся круг его занятий и увлечений. Вместе с тем, откликаясь на новые запросы эпохи, его мысль обнаруживает не только много общего с идеями современных ему и древних авторов, но и живую, органическую связь с умонастроением и традициями тех общественных слоев, к которым принадлежала его семья, с его собственными переживаниями и опытом. Как гуманист, Альберти, несомненно, близок Леонардо Бруни и Маттео Пальмиери, но мотивы гражданственности в его сочинениях на морально-этические темы умеряются и совсем затухают перед всем, что включает в себя понятие "благо семьи". Отсюда исключительная роль семьи в воспитании и формировании человека; отсюда подчеркивание важности семейных отношений и соблюдения семейной этики; отсюда же и пафос хозяйственности как непременного свойства радеющего о ближних своих отца семейства. Впрочем, хозяйственность, рачительное обращение с тем, чем человек владеет, толкуется у Альберти предельно широко — как краеугольный принцип всего жизнеустроения, держась которого человек способен в полной мере употребить себе во благо свое главное богатство — время. Подобно многим гуманистам, Альберти пишет о величии человека, этого "счастливого смертного бога", наделенного различными дарованиями и умениями, которые возвышают его среди всех существ, обитающих в мире; пишет о безграничности его возможностей и устремлений, о совершенстве, которого он может достичь. В то же время Альберти не желает обольщаться и обманываться относительно положения, в котором обретается человечество; в рассуждениях, пронизанных автобиографическими мотивами, он изображает всеобщую испорченность людей, нарушение ими естественного порядка, оскорбление справедливости и закона, подрыв вселенской гармонии. В этом предельном заострении противоречия между возможным и реальным, между различными до взаимоисключения способами оценки, между противоположными сторонами и формами бытия, коим причастен человек, можно услышать отзвуки напряженного диалога, который гуманист ведет с самим собой. И, видимо, неправильно отождествлять Альберти исключительно с тем или иным из собеседников, представленных в его произведениях; он воплощает свою мысль в каждом, уверенность часто оттеняя разочарованием и горечью, надежду — сомнением и опасениями.

0

25

Филиппо Липпи
http://s46.radikal.ru/i113/1110/5c/1c1f5e5e4c6e.jpg

Филиппо ди Томмазо ди Липпи родился в 1406 году на окраине Флоренции. Мать будущего художника, Антония ди сер Биндо Серниджи, умерла при родах, а его отец, пекарь Томмазо Липпи, прожил после смерти жены всего два года. Филиппо взяла на воспитание тетка, однако прожил он у нее не долго. Мона Лапаччи, хоть и была добра, и милосердна, однако из-за своей бедности, вынуждена была отдать племянника на воспитание в монастырь.
Таким образом будучи восьмилетним мальчиком, Филиппо попадает под опеку монахов-кармелитов. Вскоре, становится понятно, что никакие науки не даются ребенку, кроме, занятий рисованием. Даже заметны большие способности в этой сфере. Ради того чтобы иметь собственного художника, а не обращаться за помощью в оформлении монастырских помещений к мирским живописцам, которым, к тому же, нужно было еще и платить, настоятель монастыря разрешает Филиппо не посещать обязательных для всех послушников уроков и учится исключительно живописи. В монастырской церкви Санта Мария дель Кармине Филиппо Липпи впервые увидел настоящее искусство: фрески Мазаччо, которыми была украшена капелла Бранкачи, и в течении длительного периода времени они оставались для него образцом живописи.
В 1421 году Филиппо совершает постриг в монахи. Первой его самостоятельной работой считается фреска "Утверждение устава" во внутреннем дворике монастыря Кармине. По мнению экспертов, в этой работе отчетливо просматривается влияние Мазаччо. С 1426 года фра Филиппо становится заместителем настоятеля монастыря кармелитов в Сиене. В течении нескольких лет он вынужден был сочетать обязанности монаха с занятием рисунком и живописью. 1430 годом датируется первое упоминание о нем как об известном художнике. В 1433 году фра Филиппо покидает монастырь и отправляется в Падую.
Это первое путешествие дало возможность Филиппо Липпи сопоставить собственные представления о живописи с современными художественными тенденциями и в конечном итоге изменить свой стиль, который раннее практически полностью строился на заимствованиях у Мазаччо. Считается, что первыми работами в этой манере были, не сохранившиеся до нашего времени фрески из падуанской церкви Сан Антонио. По окончании работы Липпи с друзьями отправляется в Анкону, город в центральной Италии. Там, во время морской прогулки, они попадают в плен к арабским пиратам, которые отправляют всю компанию в Северную Африку и там продают в рабство. Филиппо был в рабстве восемнадцать месяцев. Однажды он нарисовал углем портрет своего господина в традиционном арабском костюме, причем не с натуры, а по памяти. Рабовладелец был восхищен рисунком и подарил художнику свободу. После этого Липпи переправили в Неаполь, где он находился еще некоторое время, прежде чем в 1437 году вернулся во Флоренцию.
В столице Тосканы, Филиппо с радостью берется за работу, выполняя любой заказ. Написанное для церкви Сан Амброджо "Коронование Марии" приносит ему настоящую славу и признание коллег и меценатов, в числе которых был Козимо Старший Медичи. Со славой приходят и искушения, главное из которых - вино и женщины. Липпи все чаще называют монахом-сластолюбцем. Медичи пытается бороться со слабостями своего любимого художника и даже иногда прибегает к крайним мерам. Уважая его талант, окружающие прощали аморальное поведении Филиппо. В 1450 году на художника подают в суд за неуплату долгов, а в следующем - за подлог.
В 1455 году Липпи переезжает в Прато, где работает в городском кафедральном соборе над фресками, представляющими сцены из жития святого Стефана и Иоана Крестителя.
В 1456 году Филиппо Липпи назначают капелланом женского монастыря Санта Маргарита. Одна из монашек, 21-летняя Лукреция Бути, соглашается позировать Липпи для очередной картины и влюбляется в художника. Тут же пятидесятилетний Филиппо устраивает ей побег из монастыря. Сама Лукреция, ее родная сестра и еще три монашки поселяются в доме мастера. В 1457 году у Филиппо и Лукреции рождается сын Филиппино. В конце 1458 года Лукреция с сестрой, по настоянию разыскавшего их отца, вынуждены вернутся в монастырь. Но Лукреци продолжает тайно встречаться с Липпи. При заступничестве Медичи, Папа всего лишь лишает Липпи монашеского сана, объяснив это тем, что якобы сутана сковывала его творчество. В 1461 году Папа признает действительным брак Филиппо с Лукрецией. В 1465 году у них рождается второй сын Алессандро, который, в отличии от своего старшего брата Филиппино, был уже законнорожденным.
Через год художник отправляется в Сполто. В кафедральном соборе этого города он исполняет серию фресок, представляющих сцены из жития Девы Марии. Художник работает над ними вплоть до своей смерти 8 октября 1469 году.

Свернутый текст

http://i003.radikal.ru/1110/62/7a250bd628af.jpg
http://s40.radikal.ru/i088/1110/6e/95638a1f6d62.jpg
http://i006.radikal.ru/1110/92/c0eb0b90fc53.jpg
http://i077.radikal.ru/1110/11/ad82303e9807.jpg|Картины

0

26

Пьеро делла Франческа
http://s001.radikal.ru/i193/1110/74/3496ce2074dc.jpg

Пьеро делла Франческа родился в городе Борго Сан Сеполькро в Умбрии (теперь северо-восточная часть Тосканы). Дата его рождения остается до сих пор неизвестной, но считается, что он родился около 1411 года. Пьеро был старшим из восьмерых детей Бенедетто деи Франчески и Романы ди Перино.
В 1431 году Пьеро делла Франческа поступает на учебу к художнику Антонио д'Ангиари, который хоть и не был выдающимся художником, однако очень многому научил Пьеро. В 1438 году Пьеро делла Франческа путешествует, посещая Рим и Перуджу, а в следующем году едет на учебу во Флоренцию.
Во Флоренции он знакомится с творчеством Мазаччо, фра Анджелико и Уччелло, скульптора Донателло и архитектора Брунелесски. Увиденное поражает его и он в течении нескольких месяцев пытается найти мастерскую, где он смог бы научится живописи не в чем не уступающей великим мастерам. И в 1439 году Пьеро поступает в мастерскую известного живописца Доминико Венециано и становится его учеником и помощником. Их первой совместной работой стала роспись флорентийского собора Сан Эджедио (однако фрески не дошли до нашего времени).
В 1445 году Пьеро возвращается в Борго и получает там заказ на исполнение "Мадонны делла Мизерикордия" - алтаря церкви Братства Милосердия. Художник трудился над ним почти семнадцать лет. Причиной такой долгой работы были частые поездки для выполнения заказов правителей других городов, таких как Пезаро, Ферарры, Римини и др. Уже в раннем периоде своего творчества окончательно сформировался стиль Пьеро делл Франческа. В этот же период Пьеро познакомился с творчеством нидерландского художника Рогира ван дер Вейдена, чьи работы вызвали интерес у Пьеро к фламандской технике масляной живописи. Заимствование некоторых приемов фламандской техники, а также близкая к пленэрной трактовка освещенных предметов уже заметны в портрете Сиджизмондо Малатесты, правителя Римени, по заказу которого делла Франческа в 1451 году исполнил несколько фресок для фамильной часовни Малатетеста.
В 1452 году Пьеро делла Франческа выполняет заказ на фрески для церкви Сан Франческо в Ареццо. Сюжет фресок - история обретения Древа Животворящего Креста, на котором был распят Христос. Эта монументальная работа считается не только лучшей работой мастера, но и относится к величайшим достижениям европейского искусства. В 1458 году делла Франческа выполнил фреску "Воскресенье" в ратуше Борго Сан Сенполькро, находящуюся сейчас в городском музее.
В 1459 году Пьеро делла Франческа получает заказ на оформление папских апартаментов в Ватикане. К сожалению, фрески уничтожены в XVI веке (папа Юлий II пожелал, чтобы оформление выполнил Рафаэль). В 1460 году делла Франческа покидает Рим и отправляется в Ареццо, где продолжает работу над фресками в церкви Сан Франческо. Около середины 1460-х годов художник работает при дворе Федериго да Монтефельтро, графа, а с 1474 года - герцога Урбино. По заказу герцога был написан портретный диптих Фредериго и его жены, Баттисты Сфорца, а также алтарный образ для церкви Сан Донато, позднее переименованный в Сан Бернардино, где герцог изображен коленопреклоненным перед Богоматерью.
Пьеро делла Франческа был довольно известен в среде флорентийских и венецианских художников. Делла Франческа неустанно придумывает новые пластические решения, в его поздних работах светотень становится более мягкой.
В конце жизни Пьеро делла Франческа постепенно теряет зрение и это сказывается на его работе художника, тогда он полностью посвящает себя науке. Ему принадлежат два трактата: "О перспективе в живописи" и "Книжица о пяти правильных телах".
Пьеро делла Франческа умер 12 октября 1492 года в Борго Сан Сеполькро.

Свернутый текст

http://s52.radikal.ru/i135/1110/db/a6cc6c30080d.jpg
http://s53.radikal.ru/i139/1110/2e/a91cfe8e51b5.jpg
http://s58.radikal.ru/i160/1110/17/a902c942b6bf.jpg|Картины

0

27

Паоло Веронезе
http://uploads.ru/t/8/E/C/8ECtz.jpg

Паоло Веронезе (Paolo Veronese) (1528–1588). Собственно, настоящее имя Паоло Кальяри (Caliari). Итальянский живописец эпохи Позднего Возрождения. Родился в Вероне в семье скульптора Габриэле Кальяри. Учился у малозначительного веронского живописца Антонио Бадиле, которому приходился племянником. С конца 1540-х годов Веронезе начал работать самостоятельно. Веронезе первое время работал на терраферме, создавая ряд фресок и масляных композиций (фрески в вилле Эмо начала 1550-х годов и другие). Блестящий талант декоратора, одаренность колориста проявилось в росписях на мифологическую тематику на вилле Соранцо около Кастельфранко (начало 1550-х). По этим работам можно понять, что Веронезе знал произведения Рафаэля, Микеланджело, Пармиджанино, Корреджо. Уже в этих работах проявилась праздничность, жизнерадостность, столь характерная для творчества Веронезе. В 1553 Веронезе приехал в Венецию для участия в работах по украшению Дворца дожей. Он выполнил декоративные панно и плафоны в технике масляной живописи на холсте. После этого продолжал работать главным образом в Венеции, а также исполнял заказы в Падуе, Вероне, Мантуе и Виченце. Сложившаяся к середине 1550-х годов художественная манера Паоло Веронезе воплотила лучшие черты венецианской школы живописи: легкий, артистически - изощренный рисунок и пластичность формы сочетаются в картинах художника с изысканной колористической гаммой, основанной на сложных сочетаниях чистых цветов, объединенных светоносным серебристым тоном.
Большей интимностью образов, включением в композицию пейзажных и жанровых мотивов отличаются выполненные Веронезе фрески в загородных венецианских виллах (Барбаро, около 1561, и др.). Собственно, в творчестве зрелого Веронезе фрески виллы Барбаро, построенной Палладио на терраферме, неподалеку от Тревизо занимают достаточно важное место. Отличающаяся изяществом небольшая вилла-дворец красиво вписана в окружающий сельский пейзаж и обрамлена цветущим садом. Ее архитектурному образу соответствуют полные легкого движения и звонкой красочности фрески Веронезе.
В этом цикле непринужденно чередуются полные пенящегося «танцующего веселья» композиции на мифологические темы — плафон «Олимп» и другие — с остроумно неожиданными выхваченными из жизни мотивами: например, изображение двери, через которую входит в зал красивый юноша, снявший шляпу в поклоне, как бы обращенном к хозяевам дома. Однако в «бытовых» мотивах такого рода мастер не ставит себе задачу художественного раскрытия через естественное течение жизни обычных простых людей всей типической характерности их взаимоотношений. Исполненные маслом на холсте монументальные многофигурные композиции Веронезе (“Триумф Мардохея”, 1556, в церкви Сан-Себастьяно; “Триумф Венеции”, 1578–1585, во Дворце дожей, – все в Венеции) выделяются в его творчестве праздничной приподнятостью образов, выразительностью ракурсов, поз, движения, ликующим великолепием звучного колорита.
В Венеции Веронезе знакомится с творчеством Тициана (около 1477–1576), у которого он воспринял широкую, свободную манеру письма, ставшую характерной для его произведений. 1560-е годы – период расцвета творчества Веронезе. Его произведения приобретают все более светский характер: он показывает современную ему Венецию, архитектуру города, сцены из жизни; его персонажи исполнены горделивого достоинства, роскошно одеты в современные костюмы. Картины Веронезе наполнены жизнерадостностью, весельем. Часто живописец обращается к изображению пиров, праздников с обилием ярко одетых людей, со стремлением к жанровости. Но всегда, несмотря на множество действующих лиц, его картины легко воспринимаются благодаря стройности композиции (“Поклонение волхвов”, около 1548, Санкт-Петербург, Эрмитаж). В знаменитой картине “Брак в Кане”, написанной для трапезной монастыря Сан Джорджо Маджоре (1562–1563, Париж, Лувр), Веронезе изобразил около 130 фигур, помещая крупнейших живописцев (Тициана, Тинторетто, Бассано и даже самого себя) среди пирующих европейских правителей и музыкантов.
Веронезе писал также станковые многофигурные композиции с изображением праздничных пиршеств, шествий, приемов (“Брак в Кане”, 1563, Лувр, Париж; “Поклонение волхвов”, около 1571, Картинная галерея, Дрезден; “Пир в доме Левия”, 1573, Галерея Академии, Венеция), монументальные по композиции алтарные образы (“Обручение святой Екатерины”, около 1575, Галерея Академии, Венеция). Смелое введение Веронезе в свои произведения жизненных наблюдений, жанровых мотивов, портретов современников стало причиной для обвинения художника инквизицией в излишне светской трактовке религиозных тем. Во многих масштабных произведениях Веронезе переносил события священной истории в обстановку современной Венеции: “Пир у Симона Фарисея” (1570, Милан, галерея Брера), “Пир в доме Левия” (1573, Венеция, Галерея Академии) и др.
Немногочисленным интимным портретам Веронезе свойственна мягкая, иногда с оттенком жанровости лиричность (“Граф де Порто с сыном Адриано”, 1554-1556, собрание Контини-Бонакосси, Флоренция). В поздних работах Веронезе, отмеченных чертами кризиса ренессансного мировоззрения, появляются настроения смутной тревоги, скорби и меланхолии (“Похищение Европы”, 1580, Дворец дожей, Венеция; “Оплакивание Христа”, между 1576 и 1582, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Но к этому же времени относится самая пышная декоративная композиция мастера – “Триумф Венеции”, плафон зала Большого Совета Дворца дожей (1580–1585). Мифологические и аллегорические персонажи соседствуют с нарядными и праздными венецианцами. В этой работе художника обозначились черты парадности, сложные иллюзионистические приемы, декоративная пышность, предвосхищавшая искусство барокко 17 столетия.
Скончался Веронезе в 1588 году и был погребен в церкви Сан Себастьяно в Венеции.

Свернутый текст

http://uploads.ru/t/y/T/M/yTMCA.jpg
http://uploads.ru/t/x/N/O/xNOXa.jpg 
http://uploads.ru/t/e/C/q/eCqxk.jpg
http://uploads.ru/t/p/s/E/psEdo.jpg|Картины

0

28

Джорджоне
http://uploads.ru/t/i/o/R/ioRfb.jpg

Джорджоне (Giorgione; собственно Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, Barbarelli da Castelfranco) (1476 или 1477–1510), итальянский живописец, один из основоположников искусства Высокого Возрождения, славился также как искусный певец и музыкант. Джорджоне родился в небольшом городке Кастельфранко, местечка Венето недалеко от Венеции. Настоящее имя художника – Джорджо, но обычно его называли по прозвищу Джорджоне (большой Джорджо, из-за крупного телосложения). Не установлено его происхождение. После смерти историка и биографа многих художников эпохи ренессанса Вазари распространилось его мнение, что Джорджоне своим происхождением был связан с знатной семьей Барбарелли; поэтому позднее его часто называли этим именем – Джорджо Барбарелли да Кастельфранко. Легендой или былью является утверждение Вазари о том, что Джорджоне являлся сыном главы древнего знатного клана Барбарелли, рожденным вне брака, достоверно установить так и не удалось. К сожалению, не сохранилось ни рукописей художника, ни его записок об искусстве, живописи и музыке, не сохранилось даже его писем. Будучи совсем юным Джорджоне прибыл в Венецию. Известно, что в возрасте шестнадцати лет Джорджоне уже проходил обучение и работал в мастерской знаменитого венецианского художника Джованни Беллини. Собственно, именно в живописи Венеции наиболее ярко проявились новые гуманистические идеи. Венецианская живопись начала 16 века носила откровенно светский характер. Уже в конце 15 века вместо икон в Венеции появились небольшие станковые картины, удовлетворявшие индивидуальным вкусам заказчиков. Художников интересует теперь не только человек, но и его окружение, пейзаж. Великолепный колорит северо-итальянской живописи, яркость, насыщенность и праздничность цветов картин, гармоничность и мягкость большой палитры тонов превращали работы венецианских мастеров в усладу для глаз зрителей. Джорджоне первым из всех итальянских живописцев стал отводить в религиозных, мифологических и исторических картинах важное место поэтически-придуманному, красивому, и не чуждому натуральности пейзажу.
Наряду с композициями на религиозные темы (“Поклонение пастухов”, Национальная галерея, Вашингтон), Джорджоне создавал картины на светские, мифологические сюжеты, именно в его творчестве получившие преобладающее значение. В произведениях Джорджоне (“Юдифь”, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Три философа”, Музей истории искусств, Вена; “Гроза”, Галерея Академии, Венеция; “Спящая Венера”, картинная галерея, Дрезден) поэтические представления художника о богатстве таящихся в мире и человеке жизненных сил раскрываются не в действии, а в состоянии всеобщей молчаливой одухотворенности.
Ощущение скрытого дыхания жизни, органичность воссоздания натуры соединяются в них с благородной идеализацией, утонченностью эмоциональной атмосферы, сложным, рассчитанным на непрямые ассоциации сюжетным замыслом. Сохраняя свойственные искусству Раннего Возрождения ясность объемов и мелодическую выразительность контуров, Джорджоне с помощью прозрачной светотени добивался зрительного слияния человеческих фигур с пейзажем. Придавая теплоту и свежесть звучанию главных цветовых пятен, он сочетал их с множеством красочных нюансов, взаимосвязанных с градациями освещения и тяготеющих к тональному единству. Вся жизнь и творчество Джорджоне были тесно связаны с гуманистической венецианской культурой середины 15 и начала 16 века. Многие венецианские художники были связаны с кружками гуманистов, которые являлись их основными заказчиками. Так, некоторые картины Джорджоне писал для дома Джованни Корнаро, члена королевской семьи Кипра, другие работы художника находились во дворце венецианского дожа Леонардо Лоредано, в коллекции Доменико Гримани — патриарха Аквилеи.
Знаменитая картина Джорджоне “Гроза” украшала галерею мецената Габриэле Вендрамина, “Три философа” была в коллекции Таддео Контарини, картина “Спящая Венера” в свое время состояла в собрании музыканта Джироламо Марчелло. Джорджоне, будучи другом этих любителей искусства, имел возможность изучать коллекции гуманистов (известно, что его заказчик Габриэль Вендрамин «имел много чрезвычайно ценных картин кисти превосходных мастеров и много нарисованных от руки карт, античных вещей, много книг, голов, бюстов, ваз, античных медалей»), что, несомненно, отразилось в его творчестве, в особой утонченности и одухотворенности образов, в пристрастии к литературным, светским темам. Общая направленность творчества Джорджоне определила интимно-лирическую окраску выполненных им портретов (“Портрет юноши”, Картинная галерея, Берлин-Далем; так называемая “Лаура”, Музей истории искусства, Вена).
Творческая концепция Джорджоне своеобразно преломила натурфилософские концепции времени, оказала преобразующее воздействие на живопись венецианской школы, получила дальнейшее развитие у его ученика Тициана. Несмотря на скоротечность жизни Джорджоне, у него было много учеников, впоследствии известных и знаменитых художников, Себастьяно дель Пьомбо, Джованни да Удине, Франсиско Торбидо (Иль Моро) и, конечно, Тициано Веччелио. Значительное число мастеров живописи, подражали творческой концепции и стилю Джорджоне, в их числе, Лоренцо Лотто, Пальма Старший, Джованни Кариани, Парис Бордоне, Коллеоне, Дзанки, Порденоне, Джирол Пеннаки, Рокко Марконе и другие, картины которых иногда атрибутировали как работы Джорджоне. Венецианский живописец эпохи Высокого Возрождения Джорджо Барбарелли из Кастельфранко, прозванный Джорджоне, в своей живописи раскрыл утонченную гармонию духовно богатого и физически совершенного человека. Так же как и у Леонардо да Винчи, творчество Джорджоне отличается глубоким интеллектуализмом и, казалось бы, кристаллической разумностью. Но, в отличие от работ да Винчи, глубокий лиризм искусства которого носит весьма скрытый и как бы подчиненный пафосу рационального интеллектуализма характер, лирическое начало в своем ясном согласии с рациональным началом в картинах Джорджоне дает себя чувствовать с необычайной силой. Джорджоне рано ушел из жизни, он умер в Венеции во время эпидемии чумы осенью 1510 года.

Свернутый текст

http://uploads.ru/t/J/h/d/Jhd2w.jpg
http://uploads.ru/t/r/t/C/rtCi4.jpg
http://uploads.ru/t/w/n/O/wnOhM.jpg
http://uploads.ru/t/f/Q/r/fQrcv.jpg|Картины

0

29

Тициан
http://uploads.ru/t/D/1/a/D1aXB.jpg

Тициан (собственно Тициано Вечеллио, Tiziano Veccellio) (около 1488/1490 - 1576), итальянский живописец эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Учился в Венеции у Джованни Беллини, в мастерской которого сблизился с Джорджоне; работал в Венеции, а также в Падуе, Ферраре, Мантуе, Урбино, Риме и Аугсбурге. Тесно связанный с художественными кругами Венеции (Джорджоне, архитектор Якопо Сансовино, писатель Пьетро Аретино), выдающийся мастер венецианской школы живописи, Тициан воплотил в своем творчестве гуманистические идеалы Возрождения. Его жизнеутверждающее искусство отличается многогранностью, широтой охвата действительности, раскрытием глубоких драматических конфликтов эпохи. Интерес к пейзажу, поэтичность, лирическая созерцательность, тонкий колорит роднят ранние работы Тициана (так называемая “Цыганская мадонна”, Музей истории искусств, Вена; “Христос и грешница”, Художественная галерея, Глазго) с творчеством Джорджоне; самостоятельный стиль художник начал вырабатывать к середине 1510-х годов, после знакомства с произведениями Рафаэля и Микеланджело. Спокойные и радостные образы его картин отмечены в этот период жизненным полнокровием, яркостью чувств, внутренней просветленностью, мажорный колорит построен на созвучии глубоких, чистых красок (“Любовь земная и небесная”, около 1514-1516, Галерея Боргезе, Рим; “Флора”, около 1515, Уффици; “Динарий кесаря”, 1518, Картинная галерея, Дрезден). Тогда же Тициан написал несколько портретов, строгих и спокойных по композиции, и тонко психологичных (“Юноша с перчаткой”, Лувр, Париж; “Мужской портрет”, Национальная галерея, Лондон). Новый период творчества Тициана (конец 1510-х - 1530-е годы) связан с общественным и культурным подъемом Венеции, ставшей в эту эпоху одним из главных оплотов гуманизма и городских свобод в Италии. В это время Тициан создавал исполненные величавого пафоса монументальные алтарные образы (“Вознесение Марии”, около 1516-1518, церковь Санта-Мария Глориоза деи Фрари, Венеция), композиция которых пронизана движением, картины на евангельские и мифологические темы (“Празднество Венеры”, 1518, Прадо, Мадрид; “Положение во гроб”, 1520-е годы, Лувр; “Введение во храм”, 1538, Галерея Академии, Венеция; “Венера Урбинская”, 1538, Уффици), отмеченные звучным, основанным на интенсивных контрастах синих и красных цветовых пятен колоритом, богатыми архитектурными фонами, в которые художник включал небольшие жанровые сцены и бытовые детали. Конец 1530-х годов - время расцвета портретного искусства Тициана. С удивительной прозорливостью изображал художник своих современников, запечатлевая различные, порой противоречивые черты их характеров: лицемерие и подозрительность, уверенность и достоинство (“Ипполито Медичи”, 1532, “Ла Белла”, 1538, - все в галерее Палатина, Флоренция). Исполненным глубокого трагизма поздним религиозным полотнам Тициана присущи цельность характеров, стоическое мужество (“Кающаяся Мария Магдалина”, 1560-е годы, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Коронование терновым венцом”, 1570-е, Старая Пинакотека, Мюнхен; “Оплакивание Христа”, 1575, и “Пьета”, 1576, обе - Галерея Академии, Венеция). В основе колорита поздних произведений Тициана лежит тончайший красочный хроматизм: цветовая гамма, в целом подчиненная золотистому тону, строится на тонких оттенках коричневого, сине-стального, розово-красного, блекло-зеленого.
В поздний период своего творчества Тициан достиг вершин как в своем живописном мастерстве, так и в эмоционально-психологическом толковании религиозных и мифологических тем. Жизнеутверждающая красота человеческого тела, полнокровие окружающего мира стали ведущим мотивом произведений художника с почерпнутыми из античной мифологии сюжетами (“Даная”, около 1554, Прадо, Мадрид и Эрмитаж, Петербург; “Венера перед зеркалом”, 1550-е годы, Национальная галерея искусства, Вашингтон; “Диана и Актеон”, 1556, и “Диана и Каллисто”, 1556-1559,
обе картины в Национальной галерее Шотландии в Эдинбурге).
Манера письма художника становится исключительно свободной, композиция, форма и цвет строятся с помощью смелой пластической лепки, краски накладываются на полотно не только кистью, но и шпателем и даже пальцами. Прозрачные лессировки не скрывают подмалевка, а местами обнажают зернистую фактуру холста. Из сочетания гибких мазков рождаются образы, исполненные трепетной жизненности и драматизма.
В 1550-е годы характер творчества Тициана меняется, нарастает драматическое начало в его религиозных композициях (“Мученичество святого Лаврентия”, 1555, церковь Джезуити, Венеция; “Положение во гроб”, 1559, Прадо). В то же время он вновь обращается к мифологической тематике, мотиву цветущей женской красоты (“Сизиф”, 1549-1550; “Даная”, 1554; “Венера и Адонис”, 1554, все - Прадо, Мадрид; “Персей и Андромеда”, 1556, Собрание Уоллеса, Лондон). К этим образам близка также горько рыдающая Мария Магдалина в одноименном полотне. Существенный перелом в творчестве художника происходит на рубеже 1550-1560-х годов. Полным динамики, смятения, сильных порывов страстей предстает мир в серии мифологических композиций на сюжеты «Метаморфоз» Овидия, написанных Тицианом для Филиппа II: “Диана и Актеон” и “Диана и Каллисто” (1559, Национальная галерея, Эдинбург), “Похищение Европы” (1562, Музей Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон), “Охота Дианы” (около 1565, Национальная галерея, Лондон). В этих полотнах, пронизанных стремительным движением и вибрацией цвета, уже есть элемент так называемой «поздней манеры», характерной для последних работ Тициана (“Святой Себастьян”, 1565-1570, Эрмитаж; “Пастух и нимфа”, 1570, Музей истории искусств, Вена; “Наказание Марсия”, 1570-е годы, Картинная галерея, Кромержиж; “Оплакивание Христа”, 1576, Галерея Академии, Венеция).
Эти полотна отличает сложная живописная структура, размытость границы между формами и фоном; поверхность холста как бы соткана из наложенных широкой кистью, иногда втертых пальцами мазков. Оттенки дополняющих друг друга, взаимопроникающих или контрастирующих тонов образуют некое единство, из которого рождаются формы или приглушенные мерцающие краски.
Новаторство «поздней манеры» не была понято современниками и оценено лишь в более позднее время.
Искусство Тициана, наиболее полно раскрывшее своеобразие венецианской школы, оказало большое влияние на становление крупнейших художников 17 века от Рубенса и Веласкеса до Пуссена. Живописная техника Тициана оказала исключительное влияние на дальнейшее, вплоть до 20 века, развитие мирового изобразительного искусства.

Свернутый текст

http://uploads.ru/t/V/H/W/VHWGl.jpg
http://uploads.ru/t/n/t/D/ntDCy.jpg  http://uploads.ru/t/r/U/1/rU1OA.jpg
http://uploads.ru/t/8/E/r/8ErNq.jpg|Картины

0

30

Джироламо ди Бенвенуто

Джироламо ди Бенвенуто Girolamo di Benvenuto (1470-1524)
Итальянский живописец, сын известного сиенского художника Бенвенуто ди Джованни. Азам искусств Джироламо ди Бенвенуто обучался у отца, и в дальнейшем участвовал во многих престижных проектах его мастерской — фресковых росписях и создании алтарных картин. В первой же самостоятельной работе Джироламо — «Вознесение Марии» (1498, Монтальчино, музей) можно видеть отличия от искусства его отца — в картине Джироламо фигуры имеют удлиненную форму и более выраженную экспрессию. Эти черты будут характерны в целом для его стиля. Джироламо сформировался в кругу традиционной сиенской живописи, и был современником Паккьяротти, Фунгаи и Пинтуриккьо, искусство которого ему было особенно близко.
Самым известным произведением художника является подписанная и имеющая дату алтарная картина «Снежная Мадонна» (1508, Сиена, Пинакотека). Строгую религиозность картины художник оживил необычным и явно списанным с чьей-то натуры изображением св. Екатерины; она перекликается с двумя женскими портретами, написанными им примерно в это же время (Национальная галерея искусства, Вашингтон, и коллекция Кистерса, Крёйцлинген).
Как существующие произведения, так и существующие документы, связанные с Джироламо ди Бенвенуто, свидетельствуют, что он занимался в основном религиозной живописью, однако не чурался и светской тематики, расписывая кассоне, и создавая картины для жилых помещений. К таким произведениям относится, например, тондо «Суд Париса» (ок.1500, Париж, Лувр), которое раньше украшало чью-то спальню. Творчество художника протекало в переломную эпоху в жизни сиенской республики, и Джироламо, как сын своего времени, наряду со стандартными, полными религиозного благочестия сиенскими мадоннами и изображениями святой Екатерины написал превосходный светский «Портрет молодой женщины» (ок.1508), который сегодня хранится в Национальной галерее искусства в Вашингтоне. Неизвестная молодая женщина с тонким и умным лицом смотрит так, словно она не из прошлого, а наша современница.
Среди поздних его произведений можно упомянуть еще один вариант «Снежной Мадонны», который Джироламо написал в 1515 году для церкви Фонтеджуста в Сиене. Оставаясь в основном верным канонам сиенского кватроченто, он в этой картине, в отличие от первого варианта, несколько оживил композицию.

http://uploads.ru/t/d/K/I/dKIUA.jpg Геркулес на распутье

0

31

Донателло
http://uploads.ru/t/J/H/7/JH7PK.jpg

Донателло (Donatello) (около 1386–1466)
Собственно, Донато ди Бетто Барди (Donato di Betto Bardi). Итальянский скульптор эпохи Раннего Возрождения. В 1404-1407 учился в мастерской Лоренцо Гиберти. Работал главным образом во Флоренции, а также в Сиене (1423–1434 и 1457–1461), Риме (1430-1433), Падуе (1444–1453), в 1451 посетил Мантую, Венецию, Феррару. Одним из первых в Италии Донателло творчески осмыслил опыт античной пластики и пришел к созданию классических форм и видов ренессансной скульптуры – свободно стоящей статуи, настенного надгробия, конного памятника, “живописного” рельефа.
В творчестве Донателло воплотились свойственные искусству Возрождения поиски новых выразительных средств, глубокий интерес к реальности во всем многообразии ее конкретных проявлений, стремление к возвышенному обобщению и героической идеализации. Ранние произведения мастера (статуи пророков для бокового портала флорентийского собора, 1406–1408) еще отмечены готической скованностью форм, измельченной дробностью линейного ритма. Однако уже статуя Святого Марка для фасада церкви Орсанмикеле во Флоренции (мрамор, 1411–1413) отличается ясной тектоникой пластических масс, силой и спокойным величием. Ренессансный идеал воина-героя воплощен в образе Святого Георгия для той же церкви (мрамор, около 1416, Национальный музей, Флоренция).
Своеобразную галерею остроиндивидуальных портретных образов представляют собой статуи пророков для кампанилы флорентийского собора (мрамор, 1416–1435, Музей собора, Флоренция). В “живописных” рельефах (“Пир Ирода” на бронзовой купели сиенского баптистерия, 1423–1427; рельефы Старой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, 1434–1443) Донателло создавал впечатление большой глубины пространства с помощью линейной перспективы, точного разграничения планов и постепенного понижения высоты изображения. Ренессансным претворением античных форм отмечены такие произведения Донателло, как надгробие Бальдассаре Коша (антипапы Иоанна XXIII; совместно с архитектором Микелоццо ди Бартоломмео, мрамор, бронза, 1425–1427, баптистерий во Флоренции), в котором использованы античный по форме саркофаг, аллегорические фигуры и ордерное обрамление, алтарь “Благовещение” (так называемый алтарь Кавальканти; известняк, терракота, около 1428–1433, церковь Санта-Кроче, Флоренция) с пышным антикизирующим декором, певческая трибуна флорентийского собора (мрамор с мозаикой и позолотой, 1433–1439, Музей собора, Флоренция) с жизнерадостным хороводом веселящихся путти, статуя Давида (бронза, 1430-е годы, Национальный музей, Флоренция) – первое изображение нагого человеческого тела в статуарной пластике Возрождения.
Работая в Падуе, Донателло создал первый светский монумент эпохи Возрождения – конный памятник кондотьеру Гаттамелате (бронза, мрамор, известняк, 1447–1453) и большой скульптурный алтарь для церкви Сант-Антонио (1446–1450), украшенный рельефными сценами, мастерски развернутыми в иллюзорном пространстве. Поздние, исполненные во Флоренции, произведения Донателло обостренно экспрессивны, отмечены чертами духовного надлома (группа “Юдифь и Олоферн”, бронза, около 1456–1457, площадь Синьории; рельефы кафедр церкви Сан-Лоренцо, бронза, 1460-е годы).
Влияние Донателло на развитие ренессансного искусства Италии было огромным, его достижения восприняли многие живописцы и скульпторы - П.Уччелло, А. дель Кастаньо, Мантенья, позднее Микеланджело и Рафаэль.
Статуя Давида скульптора Донателло изображает юного героя в мечтательном, созерцательном настроении после победы над Голиафом. чья голова лежит у его ног. Свободная естественная поэа Давида в сочетании с его застенчивым видом и чувственной фактурой бронзы придают статуе жизнь. Величайшим даром Донателло было умение вдохнуть человеческие чувства в классические изваяния. Наряду с другими замечательными скульпторами, архитекторами и живописцами, которые совершили революцию во флорентийском искусстве, Донателло считается одним из создателей ренессансного стиля. Он был любимым художником знаменитого покровителя искусств Козимо Медичи-старшего. До Микеланджело Донателло оставался крупнейшим флорентийским скульптором и, возможно, самым смелым и влиятельным художником Ренессанса. В своей статуе Давида он впервые со времен античности изобразил в бронзе обнаженную фигуру в рост.

Свернутый текст

http://uploads.ru/t/n/y/m/nym5J.jpg
http://uploads.ru/t/h/i/V/hiVro.jpg|Скульптуры

0

32

Кампен Робер
http://uploads.ru/t/8/t/T/8tTNP.jpg

Кампен Робер (Campin Robert)-(1380-1444)
Нидерландский живописец. Работал в Турне. Личность Робера Кампена окутана тайной. Отождествлен историками искусства с так называемым Флемальским мастером (Master of Flemalle), автором целой группы картин. Будучи связан с традициями нидерландской миниатюры и скульптуры 14 века, Кампен первым среди соотечественников сделал шаги к художественным принципам Раннего Возрождения. Произведения Кампена (триптих “Благовещение”, Метрополитен-музей; “Алтарь Верля”, 1438, Прадо, Мадрид) более архаичны, чем работы его современника Яна ван Эйка, но выделяются демократической простотой образов, склонностью к бытовой интерпретации сюжетов. Изображения святых в его картинах помещены, как правило, в уютные городские интерьеры с любовно воспроизведенными деталями обстановки. Лиризм образов, нарядный колорит, основанный на контрастах мягких локальных тонов, сочетаются у Кампена с изощренной игрой как бы вырезанных в дереве складок одеяний. Один из первых портретистов в европейской живописи (“Мужской портрет”, Картинная галерея, Берлин-Далем, парные портреты супругов, Национальная галерея, Лондон). Творчество Кампена повлияло на многих нидерландских живописцев, в том числе на его ученика Рогира ван дер Вейдена.
Картина Робера Кампена “Мадонна с младенцем”.
Несмотря на богатое и сложное, отороченное мехом одеяние Мадонны, она изображена в домашней обстановке - кажется, что она только что положила книгу, чтобы накормить младенца. Все детали изображены очень подробно; городской пейзаж, видимый через окно, столь же ясен и точен, как и фигуры на первом плане, а страницы книги, украшение на подоле платья Мадонны и тростниковый экран камина старательно прописаны. Техническое мастерство художника и его изобретательность позволяют сравнить Кампена с его современником Яном ван Эйком.

Свернутый текст

http://uploads.ru/t/R/P/g/RPgB2.jpg
http://uploads.ru/t/8/s/f/8sfmL.jpg
http://uploads.ru/t/x/l/1/xl12D.jpg|картины

0

33

Беато Анджелико
http://uploads.ru/i/I/X/5/IX5EF.jpg

Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. Настоящее имя художника – Гвидо ди Пьетро (Guido di Piero), он был доминиканским монахом, получившим имя фра Джованни да Фьезоле (fra Giovanni di San Domenico di Fiesole) в монастыре Сан Доменико во Фьезоле. Впоследствии живописец был прозван Фра Беато Анджелико за добродетельную жизнь. Родился в 1400 году в Виккьо нель Муджелло близ Флоренции. Вступил в доминиканский монастырь в Фьезоле в 1418 году. Учитель не известен. Начинал деятельность с иллюстраций религиозных книг. Был настоятелем монастыря Сан-Марко во Флоренции.
Как художник Фра Беато Анджелико сложился в 1420-х годов под воздействием живописи эпохи поздней готики, в дальнейшем отчасти использовал новаторские достижения Мазаччо. Наивному, проникнутому глубоким религиозным чувством искусству Анджелико свойственны светлый лиризм и мягкая поэтичность, тонкая гармония чистых цветовых тонов (фрески бывшего монастыря Сан-Марко во Флоренции, 1437–1446, ныне Музей Сан-Марко, он же Музей Анджелико; “Коронование Марии”, около 1434-1435, Лувр, Париж). Помимо Флоренции и других городов Тосканы, Анджелико работал в Риме (1445-1448, исполнил фрески капеллы папы Николая V в Ватикане, и 1452–1455) и Орвието (1447).
Цикл фресок в доминиканском монастыре Сан Марко во Флоренции, сцена: Благовещение со святым Домиником. Архангел Гавриил сообщает Деве Марии, что ей суждено родить Сына Божьего. Покой, порядок и простота составляют характерные особенности этого произведения. Мария преклоняет колени и склоняет голову, смиренно принимая весть, принесенную Гавриилом. Фреска написана на стене кельи в монастыре Сан Марко, где Анджелико был монахом. Слева святой мученик Доминик молится, наблюдая эту сцену; он включен в композицию, чтобы побудить зрителя по его примеру созерцать Благовещение. Весомые, упрощенные формы и чуткая трактовка света и цвета у Фра Анджелико свидетельствуют о новых достижениях флорентийского искусства. Прославленный уже при жизни как религиозный художник, он заслужил прозвище Анджелико (Ангельский) за свои исполненные мечтательности и гармонии картины на самые различные христианские темы. Фра Беато Анджелико работал над росписями в храмах по всей Италии. В 1445 году Анжелико вызвал в Рим папа Евгений IV расписывать фрески ныне не существующей церкви Крещения в Ватикане. В 1447 году Анжелико со своим учеником Беноццо Гоццоли расписывал фрески церкви в Орвието. Другим его учеником был Антониаццо Романо — важная фигура итальянской живописи 15 века. Умер Фра Беато Анджелико в 1455 году, в Риме, расписывая капеллу в Ватикане. Похоронен в церкви Святой Марии над Минервой, где его могила существует до нынешнего времени. Память блаженного Фра Анжелико празднуется 18 февраля.
Для творчества Фра Анджелико характерна простота цветовых решений, граничащая с наивностью, мягкий лиризм, свойственный многим мастерам кватроченто, широкое использование золота. Религиозно-созерцательное искусство Анджелико проникнуто светлым наивным лиризмом, красочной сказочностью. Он стремился не к воссозданию целостной картины мира, но к личному религиозному созерцанию, окрашенному в светлые тона. Фрески Фра Беато Анджелико в монастыре Сан-Марко во Флоренции (1438-1445) отличает строгость и простота композиции.

Свернутый текст

http://uploads.ru/i/I/x/R/IxR0B.jpg
http://uploads.ru/i/h/I/w/hIwty.jpg
http://uploads.ru/i/W/L/l/WLlMR.jpg|Картины

0

34

Бартоломео Венето

Итальянский живописец, представитель венецианской школы. Ученик венецианского мастера Джованни Беллини, влияние которого можно заметить в некоторых из его ранних работ.
Самое раннее произведение Бартоломео – «Мадонна» (1502), находится в частной коллекции в Венеции. Картины «Богоматерь с Младенцем» (1505, Бергамо, Академия Каррара) и «Обрезание младенца Христа» (1506, Париж, Лувр) – образцы венецианского стиля в творчестве мастера.
Позже Бартоломео Венето, вероятно, жил в Милане, где испытал влияние ломбардской школы и посвятил себя главным образом портретной живописи. Среди его работ, созданных в миланский период, – «Женский портрет» (1530) и «Портрет Лодовико Мартиненго» (1530, Лондон, Национальная галерея).
Художественную манеру Бартоломео отличает тщательность письма, но он не был хорошим рисовальщиком. Мужчины на его портретах часто выглядят экстравагантными. В своих картинах художник любил изображать причудливые женские образы, например, в картине «Женщина, играющая на лютне» (1520, Милан, галерея Брера). Умер Бартоломео Венето в 1531 году.

Свернутый текст

http://uploads.ru/i/F/C/y/FCyV2.jpg
http://uploads.ru/i/m/b/C/mbCEy.jpg|Картины

0

35

Антонио Корреджо
http://uploads.ru/i/j/n/9/jn95B.jpg

Во втором десятилетии XVI века в Корреджо и других небольших городках Эмилии - области северной Италии - начал свою деятельность художник, которого следует считать одной из первых величин итальянского Возрождения. Это был Антонио Аллегри, прозванный Корреджо. Художник родился в семье купцов среднего достатка. Отец, желая дать сыну хорошее образование, определил его к нескольким учителям. У одного из них Антонио изучал язык и литературу, философию, а также математику и анатомию - это был известный медик Джованни Ломбарди. С последним у Корреджо на всю жизнь сохранились дружеские отношения. Возможно, что портрет так называемого "Медика" из Дрезденской галереи - это изображение Ломбарди.
Однако ученая карьера Антонио не состоялась. Он чувствовал непреодолимое влечение к живописи и проявлял к ней несомненные способности. Живопись Корреджо начал изучать у своего дяди, посредственного художника, но основную выучку прошел в Модене в мастерской Бианки Феррари. Об этом свидетельствует и несомненное влияние моденской живописи в ранних произведениях Корреджо. По возвращении на родину Корреджо вскоре становится известным живописцем и получает большой заказ в Парме, главном городе Эмилии. Ему было предложено расписать несколько помещений монастыря св. Павла, игуменья которого была известна своей оригинальностью и своенравием. Возможно, этим объясняется специфика сюжетов, выбранных Корреджо. Им были совершенно исключены религиозные сцены и изображены мифологические сюжеты, В столовой на стене он пишет фреску "Возвращение Дианы с охоты", а потолок расписывает в виде беседки, увитой гирляндами зелени. Сквозь нее в овальные проемы выглядывают пути. несущие охотничье снаряжение и трофеи Дианы. Изображенные здесь путти - одна из лучших декоративных работ того времени по изяществу форм и свежести чувств. В целом же фрески монастыря св. Павла (1517-1520) представляют собой первый шаг мастера в освоении приемов монументально-декоративного искусства.
Следующей была роспись купола церкви Сан Джованни Эванджелиста (1520-1524) в том же городе. Естественно, что заказ этот последовал после того, как в Парме распространилась молва о великолепном мастерстве молодого художника. В этой фреске Корреджо создал новый тип купольной росписи. До него купола разделяли на части или естественными архитектурными членениями или же их живописной имитацией. В каждой части помещалась отдельная композиция или фигура. Корреджо поступает иначе. Он как бы уничтожает реальные пространственные границы интерьера и создает иллюзию небесного свода, на фоне которого парит фигура Христа. Вокруг располагаются апостолы, также изображенные в смелом ракурсе и смотрящие вверх на видение. Позы свободны, а лица выражают охвативший героев трепет при созерцании чуда. Пронизанная сильной внутренней динамикой, композиция поражает необыкновенной жизненностью, с которой трактует художник сверхъестественное событие. В росписи огромного купола Пармского собора, начатой в 1524 году, Корреджо доводит до совершенства созданные им принципы купольной росписи. Заказ на нее художник получил, еще будучи занятым работой в Сан Джованни Эванджелиста. Когда эти фрески были уже в стадии завершения, монахи-бенедиктинцы увидели их и были настолько поражены, что тут же вступили в переговоры с художником по поводу росписи собора.
В куполе Корреджо изобразил сцену "Вознесение Богоматери на небо", вновь прибегнув к приему создания иллюзорного пространства неба, которое он заполнил облаками и сонмом полуобнаженных фигур святых и ангелов. В центре композиции в ослепительном сиянии архангел Гавриил встречает Богоматерь. Навстречу ему устремлена группа ангелов и святых, поддерживающих Марию. Движения отдельных фигур сливаются в единую динамическую композицию, разрушающую границы реальности и уносящую воображение зрителя в сферу мистических переживаний.
Однако современники не оценили должным образом фреску Корреджо. Сложные ракурсы, удивительные эффекты светотени, сложность и новизна композиции оказались вне пределов привычного восприятия. Настоятель монастыря сравнил живопись Корреджо с блюдом лягушачьих ног. Всю степень новаторства мастера мог оценить только истинный художник. Им оказался Тициан, проезжавший несколько лет спустя через Парму и видевший фреску Антонио. Монахи спросили у него, стоит ли фреска той суммы, которую они затратили на нее. "Возьмите этот купол, - отвечал Тициан,- переверните его, наполните золотыми монетами, и тогда еще вы не заплатите то, что стоит эта живопись". К сожалению, сам художник не слышал этих слов. Он умер в возрасте сорока лет, не успев закончить свое последнее произведение.
Станковая живопись Корреджо раскрывает нам иные грани его искусства. В алтарных образах 1520-х годов мастер болеетрадиционен, чем в монументальной живописи. Как в "Мадонне со св. Франциском", так и в "Мадонне со св. Себастьяном", Корреджо стремится сохранить гармонический строй образов Высокого Возрождения. Но если в первой картине автору это удается, то во второй он настолько увлекается динамикой фигур и аффектацией движения, что говорить о ренессансной основе уже трудно. Перед нами уже произведение иной эпохи, маньеристической, когда художника привлекают светотеневые и пластические контрасты, экспрессия движения, внешняя красивость формы, а за всем этим стоит возможность субъективного самовыражения, погружения в стихию сверхчувственного.
К наиболее зрелым алтарным картинам Корреджо следует отнести "Мадонну со св. Иеронимом" (так называемый "День", 1527-1528, Парма, музей) и "Рождество" (так называемая "Ночь", ок. 1530, Дрезденская галерея).
"День" - излюбленный итальянскими мастерами тип "святого собеседования". Сохранив внешнюю традиционную форму, Корреджо превращает его в полную нежных чувств сцену материнства. Художник как бы нисходит с высот тех сверхъестественных видений, которые он воплощал в купольной росписи Пармского собора. Он погружается в уютный мир простых человеческих отношений, любуется красотой самых светлых человеческих чувств. Взор художника обращается и к природе, находя в ней отражение своим переживаниям. Пейзаж в картине - один из самых прекрасных в творчестве мастера.
Знаменитая "Ночь" пронизана теми же настроениями. Художник прежде всего стремится отобразить человеческие переживания, чувственно-эмоциональную сущность события. Даже сверхъестественное освещение приобретает в картине характер обыденного: источающее свет тело младенца объято руками матери, которая прижимает его к себе и смотрит на него с умилением и любовью. Все остальные персонажи, даже парящие в воздухе ангелы, изображены в самых непосредственных позах.
Следует отметить, что `Рождество` - одна из самых первых "ночных сцен" в итальянском искусстве. Ей предшествовала лишь фреска Рафаэля "Освобождение апостола Петра из темницы". Но там был подчеркнут скорее элемент чуда, тогда как Корреджо с помощью великолепного владения светотеневыми эффектами создает иллюзию реального ночного освещения. Этим он предвосхитил многие приемы живописи XVII столетия.
Однако эстетика маньеризма все более захватывает Корреджо. Особенно это заметно на примере его поздних живописных произведений - парных композиций "Юпитер и Ио" и "Ганимед" (обе в Музее истории искусств в Вене, ок. 1530) или "Данаи" (нач. 1530-х гг.. Галерея Боргезе, Рим), где трансцендентное восприятие мира берет верх над образами простого человеческого бытия.
Если окинуть единым взглядом творчество Корреджо, то прежде всего в нем поражает диапазон поставленных художественных проблем. Во фресковой живописи он намного опережает своих современников, предвосхищая плафонные росписи XVII и XVIII веков (вплоть до Тьеполо!). В станковой живописи Корреджо проделывает огромный путь от проникнутых духом величия и патетики образов Высокого Возрождения до взволнованных и экспрессивных композиций, открывающих путь новой эпохе - барокко.

Свернутый текст

http://uploads.ru/i/o/Q/B/oQB1C.jpg
http://uploads.ru/i/0/v/B/0vBcR.jpg
http://uploads.ru/i/I/p/N/IpN8s.jpg
http://uploads.ru/i/a/y/O/ayOXq.jpg|картины

0

36

Ганс Гольбейн
http://uploads.ru/i/J/c/a/JcaxT.jpg

Ханс Хольбейн (Гольбейн) Младший родился в 1497 или 1498 г. в богатом швабском городе Аугсбурге в семье знаменитого художника Ханса Хольбейна Старшего, мастера алтарной живописи. Вместе со старшим братом Амброзиусом Ханс учился живописи в мастерской своего отца. В 1515 г. юные Хольбейны переезжают в швейцарский город Базель и два года работают в мастерской Х. Хербстера.
Свою самостоятельную творческую деятельность Хольбейн начинает с ксилографии — иллюстрирует книги у известного издателя И. Фробера. В период с 1519 по 1526 гг. им было исполнено более 1200 печатных досок. В 1515 году Ханс создает иллюстрации к «Похвале глупости» Эразма Роттердамского и становится его другом.
В историю мировой живописи Хольбейн вошел, прежде всего, как выдающийся портретист. Блестящим дебютом молодого художника стали портреты базельского бургомистра «Якоба Мейера» и его супруги «Доротеи Канненгиссер». Незаурядные способности Хольбейна приносят ему раннюю славу. В 21 год Ханс стал признанным мастером. Он вступил в базельскую гильдию художников и унаследовал мастерскую брата, после его преждевременной кончины. В это же время художник женится на Элизабет Шмидт.
В первый базельский период (до 1526 г.) Хольбейн создает религиозные композиции («Мертвый Христос»), исполняет живописно-декоративные произведения (фрески «Дома танца» в Базеле, не сохранились), пишет многочисленные портреты бюргеров и гуманистов («Эразм Роттердамский»). Главное произведение этого периода — «Мадонна бургомистра Мейера», исполненная для алтаря капеллы замка Мейера.
В 1524—26 гг. Хольбейн исполняет серию рисунков «Образы смерти» (известных под названием «Пляска смерти»), представляющих собой аллегорический комментарий к немецкой действительности эпохи Великой крестьянской войны. (Изданы в гравюрах на дереве в 1538 г.)
Начавшаяся Реформация вынуждает Хольбейна покинуть страну. В 1526 г. он едет в Лондон. Благодаря рекомендательным письмам Э. Роттердамского художник был любезно принят в доме Томаса Мора, канцлера и советника короля Генриха VIII. В короткий срок Хольбейн приобретает широкую известность среди друзей Мора как великолепный портретист («Астроном Николас Кратцер»). Он создает как живописные, так и графические портреты («Портрет Т. Мора»).
По возвращении в Базель в 1528 г. Хольбейн пишет почти исключительно портреты и занимается украшением фасадов. В 1530—32 гг. исполняет серию рисунков на библейские темы (изданы в гравюрах на дереве в 1538 г.).
В 1532 г. Хольбейн уезжает в Лондон навсегда. К этому времени Мор оказался в опале, и Хольбейну пришлось искать покровительства у немецких купцов — членов Ганзейского союза. Он украшает росписями их резиденцию «Стальной двор» (не сохранились) и пишет многочисленные портреты («Портрет Г. Гисце»). Слава Хольбейна как великолепного портретиста быстро растет. Начиная с 1533 г. он получает многочисленные заказы на портреты лондонской знати и высокопоставленных особ, а в 1536 г. становится придворным живописцем короля. В этот период Хольбейном были созданы шедевры портретной живописи («Портрет Т. Кромвеля», «Посланники», «Портрет Ш. Моретта», «Портрет Р. Чесмена», «Портрет Р. Саутвелла», «Портрет Джейн Сеймур», «Портрет Кристины Датской», «Портрет Анны Клевской», «Портрет Генриха VIII»).
В Англии Хольбейна ценили также как мастера миниатюры, создававшего рисунки для предметов роскоши и прикладного искусства. Последней работой художника стал эскиз для настенных часов, предназначенных Генриху VIII.
Осенью 1543 г. Хольбейн умер от чумы.

Свернутый текст

http://uploads.ru/i/D/0/N/D0NfZ.jpg
http://uploads.ru/i/d/e/r/derqg.jpg
http://uploads.ru/i/h/e/X/heXEI.jpg
http://uploads.ru/i/f/H/k/fHkuZ.jpg|картины

0

37

Джанбаттиста Россо Фьорентино

Родился во Флоренции 8 марта 1494. В юности учился в мастерской Андреа дель Сарто вместе с Понтормо, с которым сотрудничал в ранний период. Получил прозвище "Рыжий из Флоренции", или просто "Рыжий" (Il Rosso). В 1524-1527 работал в Риме, затем, после разгрома, учиненного там французскими войсками, в ряде других итальянских городов.
Уже в ранних вещах (фреска "Успение Богоматери", 1517, церковь Сантиссима-Аннунциата, Флоренция; "Мадонна с четырьмя святыми", 1518, Уффици, Флоренция) нарастают черты тревоги и внутренней дисгармонии. Ярким свидетельством творческой зрелости Россо может служить Снятие со Креста (1521, Городская пинакотека, Вольтерра) и "Моисей, защищающий дочерей Иофора" (ок. 1523, Уффици), - с их изломанными формами и, в особенности в первой вещи, острыми колористическими диссонансами. В римский период Россо испытал сильное влияние Микеланджело.
В 1530 уехал во Францию, где ему удалось снискать расположение короля Франциска I. Занимался (вместе с Приматиччо и другими мастерами; 1532-1539) декоративным убранством Галереи Франциска I во дворце Фонтенбло, сыгравшей ключевую роль в обновлении старого замка; с 1536 был руководителем всех работ по украшению последнего. Эти фрески и рельефы из стукко, в значительной мере исполненные по эскизам Россо, - причудливые по орнаментике и формальному строю, полные сложных символов и эмблем, - оказали воздействие на развитие маньеризма в разных европейских странах, в том числе на становление французской школы Фонтенбло. Умер Россо Фьорентино в Париже 14 ноября 1540.

Свернутый текст

http://uploads.ru/i/w/R/Y/wRYue.jpg
http://uploads.ru/i/d/C/6/dC65y.jpg
http://uploads.ru/i/G/V/Z/GVZsO.jpg
http://uploads.ru/i/O/l/j/OljrX.jpg|картины

0

38

Альберти Леон Баттиста
http://uploads.ru/i/7/Z/O/7ZOfs.jpg

Родился в Генуе, происходил из знатной флорентийской семьи, оказавшейся в изгнании в Генуе. Учился гуманитарным наукам в Падуе и праву в Болонье. В 1428 г. закончил Болонский университет, после чего получил должность секретаря у кардинала Альбергати, а в 1432 г. — место в папской канцелярии, где прослужил более тридцати лет. В 1462 г. Альберти оставил службу в курии и до своей кончины жил в Риме.
В 50-60-е гг. Альберти написал сатирически-аллегорический цикл «Застольные беседы» — свои главные сочинения в области литературы, ставшие образцами латинской гуманистической прозы XV в. Последние произведения Альберти: «О принципах составления кодов» (математический трактат, впоследствии утраченный) и диалог на вольгаре «Домострой» (1470).
Альберти одним из первых выступал за использование итальянского языка в литературном творчестве. Его элегии и эклоги — первые образцы этих жанров на итальянском языке.
Альберти создал во многом оригинальную (восходящую к Платону, Аристотелю, Ксенофонту и Цицерону) концепцию человека, основанную на идее гармонии. Этика Альберти — светская по характеру — отличалась вниманием к проблеме земного бытия человека, его нравственного совершенствования. Он возвеличивал природные способности человека, ценил знания, творческие возможности, разум человека. В учении Альберти получил наиболее цельное выражение идеал гармонической личности. Все потенциальные способности человека Альберти объединил понятием virtu (доблесть, способность). Во власти человека раскрыть эти природные способности и стать полноценным творцом своей судьбы. По мысли Альберти, развить в человеке свойства натуры должны воспитание и образование. Способности человека. его разум, воля, смелость помогают ему выстоять в борьбе с богиней случая Фортуной. Этическая концепция Альберти исполнена веры в способность человека к разумному устройству своей жизни, семьи, общества, государства. Основной социальной ячейкой Альберти считал семью.
Альберти-архитектор оказал большое воздействие на формирование стиля Высокого Возрождения. Вслед за Филиппо Брунеллески развивал античные мотивы в архитектуре. По его проектам был построен палаццо Ручеллаи во Флоренции (1446—1451), перестроен фасад церкви Санта-Мария-Новелла (1456—1470), церквей Сан-Франческо в Римини, Сан-Себастьяно и Сант-Андреа в Мантуе, определившие направление в архитектуре XV в.
Альберти занимался и живописью, пробовал свои силы в скульптуре. Как первый теоретик итальянского искусства Возрождения известен сочинением «Десять книг о зодчестве» (De re aedificatoria) (1452), и небольшим латинским трактатом «О статуе» (1464).

http://uploads.ru/i/m/w/a/mwaKu.jpg       http://uploads.ru/i/V/M/i/VMio0.jpg

0

39

Скорел Ян ван
http://uploads.ru/i/h/8/V/h8VkP.jpg

Ян ван Скорел родился в городке, называемом Схорл (Schoorl или Scorel), откуда и прозвище. Сначала готовился к карьере священнослужителя, благодаря чему получил обширное гуманистическое образование. Живописи Скорел учился в Утрехте у Яна Госсарта (с 1516). Перед этим, вероятно, обучался у Я.Корнелица (Jacob Cornelisz) в Амстердаме. С 1518 по 1524 художник путешествовал по Германии, Швейцарии, Италии. Лично знал Дюрера, брал у него уроки. Совершил паломничество в Палестину. Вернувшись в 1521 г. в Рим, получил предложение от Адриана VI, также уроженца Утрехта, только что избранного папой римским, стать придворным художником Ватикана. В Риме Скорел занимал должность хранителя памятников Бельведера (1522—1524) — античной коллекции папы. (На этом посту ему предшествовал Рафаэль). Писал портрет папы (сохранившееся изображение этого понтифика приписывается именно Скорелу, правда, качество вызывает сомнения). Адриан VI занимал эту должность недолго — всего спустя два года, в 1524 г. он скончался. Видимо, в связи с этим Скорел покинул Италию. В 1524 г. он вернулся в Утрехт, где принял сан. Став католическим священником, Скорел, тем не менее, продолжал писать картины и держать художественную мастерскую, был успешным преподавателем. В 1550 г. ему доверили реставрацию «Гентского алтаря» братьев Эйков. Предположительно, брал с собой в Италию ученика — Антониса Мора, которому будет суждено стать известным портретистом. Другой его ученик — Мартин ван Хеемскерк (Maerten van Heemskerck).  Кроме живописи, Скорел также писал стихи, был музыкантом и археологом-любителем, архитектором и инженером — всесторонне одаренным «человеком Эпохи Возрождения».
Он освоил художественные принципы «дунайской» и венецианской школ, в Риме изучил произведения Микеланджело и Рафаэля, а также античное искусство. Во время его пребывания в Венеции большое влияние на Скорела оказал Джорджоне (особенно в пейзажах). Считается, что именно он был одним из первых представителей Северного Возрождения, кто привил нидерландской живописи достижения и находки итальянского чинквеченто. Портретная живопись Скорела отличается качеством, строгостью и реалистичностью, присущим национальной нидерландской школе, и находится в русле его великих предшественников (ван Эйк, проч.). К числу новшеств после посещения Италии относят большую свободу пейзажных фонов, античные архитектурные детали, большую театрализованность позирования моделей. Портреты: «Агата ван Схонсховен» (1529, галерея Дория-Памфили, Рим), групповой портрет членов харлемского Иерусалимского братства (ок. 1527—1529, Центральный музей, Утрехт). Данное произведение считается одним из первых в чреде голландских групповых портретов, которые будет создавать и Рембрандт. В число произведений входят: «триптих со Святым семейством» (Sippenaltar) (1520, церковь Санкт-Мартин, Обервеллах в южной Австрии), триптих Локхорст с Входом в Иерусалим на центральной панели (ок. 1525—1527, Центральный музей, Утрехт), Принесение во храм (ок. 1528—1530, Художественно-исторический музей, Вена). Очень многие из его алтарных произведений были уничтожены в ходе кальвинистического иконоборческого восстания в Нидерландах.

Свернутый текст

http://uploads.ru/i/s/8/e/s8emn.jpg

http://uploads.ru/i/L/z/M/LzMoK.jpg

http://uploads.ru/i/N/o/0/No0kV.jpg|Картины

0

40

Вазари Джорджо
http://uploads.ru/i/f/Q/H/fQHcw.jpg

Отец Вазари, Антонио, работал гончаром. Всю жизнь автор «Жизнеописаний» представлялся как «Джорджо Вазари из Ареццо». Первым учителем Вазари, когда ему ещё не было двенадцати лет, стал французский художник Гильом де Марсилья, расписывавший витражи церкви в Ареццо. В 1524 году он жил во Флоренции, учился у Андреа дель Сарто, Микеланджело и Баччо Бандинелли. Молодому Вазари покровительствовали Александр и Ипполито Медичи, которые вскоре были вынуждены покинуть Флоренцию. Вазари вернулся в Ареццо, где получил несколько заказов и даже писал фрески. Известный в то время скульптор, живописец и архитектор Россо, находясь в Ареццо, дал несколько советов молодому Вазари. В благодарность Вазари впоследствии подробно описал жизнь и труды своего наставника в своём сочинении. Вазари выполнил картину по рисункам Россо. Вазари в эти годы нуждался в деньгах. Его отец умер, и он заботился о своих трёх сестрах и двух братьях. Некоторое время Вазари обучался золотому и серебряному ремеслу, которое в то время считалось искусством. Флоренция, где он уже несколько месяцев занимался этим делом, подверглась осаде в 1529 году, что заставило Вазари переехать в Пизу, и там он снова предался живописи; в это время ему было только 17 лет. Тогда начался ряд его путешествий по Италии и поисков работы; при этом он счастливо встретился с одним из первых своих покровителей, Ипполито Медичи, который взял его с собой в Рим, где Вазари стал неутомимо и настойчиво трудиться, и вскоре получил от своего покровителя заказ написать картину «Венера и Грации». Когда Карл V (1531) восстановил власть Медичи во Флоренции, Вазари вернулся туда к герцогу Александру, большому почитателю живописи. Во дворце герцога Вазари написал несколько картин и портрет Александра, а также преподавал архитектуру и декор. Один из первых случаев выказать свой талант представился ему при торжественном въезде Карла V в Рим (1536), когда нужно было сочинить разные декоративные постройки. В это время Вазари написал для монастыря св. Клары в Ареццо картину «Благовещение». В Лувре находится картина Вазари с аналогичным сюжетом (La salutation angelique), возможно, это и есть «Благовещение» из Ареццо.  В 1537 году Александр Медичи был убит, и Вазари снова остался без покровителя. Несмотря на молодость, Вазари уже приобрёл большую известность и стал получать различные приглашения. После многих поездок он в 1540 году работал в Болонье над картиной «Трапеза св. Григория». По сюжету и по исполнению она считается одной из лучших. Эта картина и теперь находится в Болонье. Все лица этой картины — портреты современников Вазари, их имена указаны в его книге.
Живопись Вазари представляет собой яркий образец тосканского маньеризма. Первая дошедшая до нас картина Вазари — «Погребение Иисуса» (1532, дом-музей Вазари в Ареццо). Вазари работал чрезвычайно быстро, хотя и пользовался помощью многих молодых художников, имена которых тоже сохранились. В собственном жизнеописании он описывал все свои работы в самых мелких подробностях. Несмотря на то, что Вазари был хорошим художником, в его фигурах встречаются неправильности. Его картины написаны в холодной цветовой гамме.
Успех Вазари в архитектуре был переменчив. Вазари был талантлив в декоре, но мирился с неудачами в монументальной архитектуре. Он неудачно перестроил несколько зданий, не сумев сохранить единство архитектурного образа. Построенные Вазари новые здания отличаются своеобразной красотой и оригинальностью. Здание для папы Юлия III в Риме и здание Уффици во Флоренции, начатое Вазари, свидетельствуют в пользу его архитектурного таланта. Ему же принадлежит комплекс зданий, составляющих Дворец рыцарей св. Стефана в Пизе и многое другое.
Самой большой заслугой Вазари считается его монументальный труд «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» («Le Vite de’piu eccelenti Pittori, Scultori e Architetti»), который был окончен в 1550 г. Вторым дополненным изданием с приложением портретов знаменитых художников книга вышла в 1568 г.  Без ценных сведений, содержащихся в «Жизнеописании…» в истории итальянского искусства был бы большой пробел. Вазари в своей книге подробно повествует о собственном творчестве и не стесняется отдавать должное своему таланту живописца и архитектора. Более поздние издания, снабженные комментариями разных авторов, неоднократно выходили за прошедшие десятилетия. В 1878 г. сочинение Вазари вышло во Флоренции под редакцией Гаэтано Миланези. Сочинение Вазари переведено на французский и немецкий языки. К своему монументальному сочинению о современных ему деятелях искусства, которое Вазари посоветовали написать, он отнёсся очень добросовестно. Когда часть рукописи была готова, он передал её Аннибале Каро, который помог ему своими замечаниями и посоветовал довести работу до конца. Позднее монах Маттео Фаэтани, обладавший литературным образованием, по поручению Вазари сделал существенные поправки в ней. Поэтому книга была окончена только в 1550 г. Но и тогда Вазари не был доволен ею и продолжал собирать дополнительные сведения из жизни и творчества художников-современников. Только через 18 лет после первого издания, его сочинение приняло окончательный вид, в котором и дошло до нашего времени. Это второе издание украшено портретами художников.

Свернутый текст

http://uploads.ru/i/8/V/W/8VWr6.jpg

http://uploads.ru/i/B/W/p/BWpgd.jpg

http://uploads.ru/i/N/s/w/NswoD.jpg

http://uploads.ru/i/p/O/q/pOqHy.jpg|Картины

0


Вы здесь » Ключи к играм » Архив » Ренессанс. Эпоха Возрождения <


Рейтинг форумов | Создать форум бесплатно